この項目「映画編集」は翻訳されたばかりのものです。不自然あるいは曖昧な表現などが含まれる可能性があり、このままでは読みづらいかもしれません。（原文：en:Film editing07:02, 18 September 2022）
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仕事中の映画編集者(1946)

映画編集（えいがへんしゅう、英: Film editing）は、映画製作のポストプロダクション工程で主に行う映像と音声の動画編集作業である。

これは伝統的な映画フィルム[注釈 1]を使っての切り繋ぎ作業から始まった工程で、現在ではデジタルシネマ技術を使った編集作業も含めることが増えている。
解説

映画編集は編集技師が編集素材のフッテージを使って作業し[注釈 2]、ショットを複数選択してはそれらをシークエンスへと組み入れ、映画完成品を創作していく。映画編集は、映画にしかない独特な技能を要する職人的な作業だと説明されるが、詩や小説といった執筆作業での推敲と非常に似た点がある。

映画編集は米国だと「見えない芸術(invisible art)」[1]と呼ばれることがあり、それは見事な出来栄えだと視聴者が惹きこまれてしまい、編集技師の仕事に気づかない可能性があるためである[注釈 3]。

最も基本段階の映画編集は、複数のショットを整然としたシークエンスに組み上げていく、職人的な技術の実践である。編集技師の仕事は、単にフィルムの断片を機械的に組み合わせたり、フィルムのカチンコ箇所を切り落としたり、台詞のシーンを編集するだけではない。どういった意図やコンセプトで作りどんな形にまとめて発表するか？という細かいプランニングが必要で[3]、映像、物語、台詞、音楽、俳優の演技を重ね合わせて創造的かつ効果的に「再構想」し、まとまりのある全体像を構築する必要がある。黒澤明、バハラーム・ベイザー、スティーヴン・ソダーバーグ、コーエン兄弟といった作家主義の映画監督は、たまに自分の映画を自ら編集したりもする。

ノンリニア編集システムで行うデジタル編集の台頭に伴い、編集技師とその助手は、従前だと別の人が担当した映画製作の様々な分野を担当するようになっている。例えばその昔、映像編集技師は画だけを扱っていた。音や音楽や視覚効果の編集員は、一般的には映像編集技師と監督の指示のもと、編集工程における担当専門分野の実用的な課題に対処していた。しかし、デジタル編集体制ではこれらの担当を映像編集技師がこなす事が増えている。特に低予算の映画では、編集技師が一時的に音楽も編集したり、視覚効果を試作したり、一時的な効果音や擬音を組み入れるのが通例である。これらの一時的な要素は通常、映画を仕上げるために雇われた音響、音楽、視覚効果チームによって生み出された、より洗練された最終要素に置き換えられる[注釈 4]。
歴史

黎明期の映画は、1本の長い静的な固定ショットによる短編映画だった。ショットに収められた動作が観客を楽しませるために必要な事の全てであり、初期の映画は街路沿いを移動する交通などの活動を単純に映しており、そこには物語も編集もなかった。各フィルムは、カメラにフィルムがある限り回された。多重露光が特徴的な初期映画『幾つもの頭を持つ男』の一場面

映画編集を使って、あるシークエンスから別のものに移行する展開を挟みながら連続性を確立させたのは、イギリスの映画先駆者ロバート・W・ポールが1898年に制作した『Come Along, Do!』が発祥とされ、複数のショットを特徴とする最初の映画の1つである[4]。最初のショットでは、年配夫婦が美術展覧会の外で昼食をとったあと、扉を通って会場内の人達についていく。次のショットでは、会場内にいる彼らの様子を映している。1896年にポールが考案した「シネマトグラフカメラ No. 1」は逆側にもクランクを回せる特徴を持つ最初のカメラで、これは同一のフッテージフィルムを複数回露光できるため、重ね合わせの多重露光が可能になった。1898年にジョルジュ・メリエスがポールのカメラで制作した『幾つもの頭を持つ男』が、この技法を使用した初期映画の1つである。

複数ショットを使った映画における展開連続性は、1899-1900年にイギリスのブライトン校でさらに発展を遂げ、ジョージ・アルバート・スミス (映画監督)とジェームズ・A・ウィリアムソンによって決定的に確立された。同年、スミスは『As Seen Through a Telescope』を制作し、本作では若いカップルが路上でいちゃつくメイン映像に、老人がこれを望遠鏡で覗いている（外側が黒塗りされた円形枠の内側に少女の脚部が大写しされる）ショットをさし挟むカットバック技法が使われた。ジェームズ・A・ウィリアムソン監督の映画『Fire!』からの抜粋

ほぼ同年の1900年に制作されたウィリアムソンの『Attack on a China Mission Station』にも注目すべき技法が見られた。義和団の乱で戦う中国兵士とイギリス兵士とで映像視点が反対側に切り替わる、映画史上初の「切り返し(Reverse angle)」カットが使用された。

ウィリアムソンは、1901年制作の『Stop Thief!』『Fire!』ほか多数の映画で、あるショットで映された場所から別のショットで映された次の場所へと展開していく映画を作ることに専念した。また彼は『The Big Swallow』で極端なクローズアップ技法の実験を行い、ジョージ・アルバート・スミス と共に映画編集の先駆者となった。彼らは作品に色を付け、奇抜な画像を使って物語を強調した。1900年までに、彼らの映画は最大5分の長さになり複数シーンで構成されるようになった[5]。エドウィン・S・ポーターが監督した『大列車強盗 (1903年の映画)』の一場面

その後、米国人エドウィン・S・ポーターを含む他の映画制作者もこれらアイディアの全てを採用した。1903年にポーターが制作した『アメリカ消防夫の生活』は、クローズアップ技法を用いた最初のアメリカ映画だった。同映画の物語は7シーンで構成され、合計9ショットが使用された。既にジョルジュ・メリエスがやっていたように、彼は全ショットの間にディゾルブを入れた。ポーターの制作した『大列車強盗 (1903年の映画)』の上映時間は12分で、20の個別ショットと10の屋内および屋外ロケーション撮影があった。彼はクロスカッティングという編集法を使い、違う場所で同時進行する展開を映像にした[6]。

これら初期の映画監督達は、映画言語の重要な特徴を発見した。スクリーンの画像では人物全体を頭から爪先まで映す必要はなく、2つのショットを継ぎ合わせることで視聴者の心に文脈上の関係を生み出せる。これらは、生放送以外のあらゆるビデオテープやテレビによる物語映画の可能性を築いた重要な発見だった。複数のショットが一定期間（数時間や数日または数ヶ月も）にわたって様々な場所で撮影され、1つの全体的な物語に組み上げられる[7]。先の『大列車強盗』では屋外ロケと舞台セットで撮影が行われたが、あるショットで列車に乗り込むところが映され、その次に客車内（の舞台セット）に入る様子が映ると、観客はそれを同一の列車だと信じ込んでしまう。

1918年頃、ロシアのレフ・クレショフ監督がそうした編集の効果（クレショフ効果）を証明する実験をした。彼は最初に俳優の無表情な顔を撮影。そのショットにそれぞれ、1)スープの入った皿、2)テディベアで遊んでいる子供、3)棺に納められた老女、のショットを挿入した３通りの映像を制作した。それぞれの映像を見た観客はこの俳優の演技を称賛した。1)ではスープを見た時の空腹な表情を、2)では子供に柔和な表情を、3)では死者を見た時の沈痛な表情をしていたと語ったのである[8]。俳優のショットは他より何年も前に撮影したもので、もちろん彼は実験素材3つのいずれも一切「見て」いなかった。複数のショットを順番に並べるという単純作業によって関係性が構築されたのである。初期の映画編集で使用されたムヴィオラ。
映画編集の流れ

基本的に映像編集は、オフライン編集 (Offline editing) を終えた後にオンライン編集 (Online editing) という段取りを踏む。これは一種の業界用語で、前者は高品質な撮影ネガ（マスターテープ）をコピーした低品質なポジフィルム（編集素材のワークテープ）を使って行う「仮編集」の事を指す[注釈 2][10]。